Balance, balance

Hoy 7 de febrero se cumple un año del nacimiento de este blog, coincidiendo con el año nuevo chino. Así que ante todo: adiós, año del cerdo…

…y próspero año de la rata para todos.

Habrá también que hacer un repaso a este primer año de Mal Papel, pensando en si ha cumplido los objetivos para los que fue creado. Está claro que el de hincharme a recibir visitas y comentarios no, pero prefiero pensar que es un “blog minoritario para la élite ilustrada” antes que un “puto fracaso”. Tampoco he conseguido cumplir mi objetivo de “diez entradas al mes”, aunque he estado bastante cerca. Pero me engaño a mí mismo parece que son más relevantes sus otras funciones:

La función de catalogar mis lecturas según las (poco fiables) primeras impresiones que me han causado. Como leo rápida y muy atropelladamente, me cuesta retener la “pulpa” sin hacer una segunda lectura, porque además tengo muy mala memoria. Así que el blog me ha venido muy bien para usarlo de memoria auxiliar, forzándome a escribir unas líneas sobre la huella que me ha dejado lo leído. Además me permite ahora hacer la estadística del año, han sido (aprox.) 24 libros y 42 tebeos, de los que destacaría:

Mi propósito de acercarme a los grandes clásicos y a su contexto histórico, empezando por Grecia: la Ilíada, la Odisea, la lírica, los mitos… espero poder empezar con Roma este año.

Por lo demás, he leído muy buenos libros en 2007: La saga/fuga de J. B. y 2666 se llevan ex aequo el galardón a Lo Mejor Del Año. Pero también debo recordar a Valle-Inclán, a Gombrowicz, a Philip K. Dick… y tantos buenos cuentos…

También ha sido un buen año para los tebeos: El Bulevar de los sueños rotos es seguramente el cómic del que guardo mejor recuerdo, seguido muy de cerca por mi descubrimiento tardío del gran Jaime Hernández de Locas y por el genial guión de Lapinot: La vida como viene. Del resto, mencionar la decepción de Lupus y algunos buenos descubrimientos: El Fotógrafo, Bardín, Keko, Gipi…

… y la otra misión del blog es ayudarme a adquirir soltura escribiendo -como decía Alfred Bester (cito de memoria): los escritores noveles tienen que expulsar mucha mala literatura antes de dejar de serlo-, y hacerlo con la posibilidad de que cualquiera como tú pueda leerlo impunemente. Esto se ha cumplido sólo a medias: si bien noto una leve mejoría al cabo del año, lo que escribo sigue pareciéndome pedante, infantil, fatuo, balbuceante, pretencioso, y sobre todo: ¡que abuso irracionalmente de adjetivos y repeticiones! Pero en fin, sigo intentándolo.

Y no quiero cerrar el ejercicio sin colgar un vídeo que tenía pendiente: el de Always look on the bright side of life.

Locas #3

Sin duda mi gran descubrimiento tebeístico del último año ha sido el Locas de Jaime Hernández, recopilado por La Cúpula en tres económicos tomos.

El primero, aunque sobrado de buenos momentos, es el más vacilante: un cómic de romance y aventuras con “algo más”… Pero en el segundo tomo, ese “algo más” pasa a ser el único argumento: las relaciones entre Maggie, Hopey y el resto de personajes, cómo afrontan sus problemas y aprenden (o lo intentan, como todos) a desenvolverse en el mundo. Y es que uno de los puntales de la serie es la construcción de personajes creíbles y muy humanos, incluso cuando se ven envueltos en tramas fantásticas. Otro es, por supuesto, el extraordinario dibujo de Jaime, un maestro del blanco y negro, y en especial de las expresiones faciales.

En este último volumen se reúnen las historias publicadas desde el año 90 al 96 en Love & Rockets. Ha pasado el tiempo, y nos encontramos a una Maggie más madura que intenta hacer borrón y cuenta nueva con su vida, pero no le será fácil… Mientras, alguien ha hecho aparecer una foto de Hopey en los cartones de zumo (en los USA se difunde así la cara de las personas desaparecidas).

Por ponerle un pero a esta deliciosa obra, en ocasiones su narrativa se me hace algo confusa, quizá debido a la abundancia de elipsis, aunque éstas forman parte del estilo del autor. Además, ésta es sólo la primera impresión de una lectura apresurada, y Locas (al igual que Palomar, del otro hermano Hernández) es un tebeo para releer (y varias veces).

by Vázquez

En noviembre de 2005 y dentro del VI Encuentro del Cómic y la Ilustración de Sevilla, se dedicaron a la memoria del gran Manuel “by” Vázquez una exposición y una charla, a las que tuve el gusto de asistir: en la charla hablaron Joan Navarro, Alejandro V. Casasola (director del Salón del Cómic de Granada) y Manolito Vázquez, uno de los hijos del maestro. Les bastó con echar mano de sus recuerdos junto a Vázquez para hacernos pasar a los asistentes un rato divertido, como no podía ser de otra forma, pero también emotivo, en el que fueron desgranando anécdotas y repasando la extensa trayectoria del autor.

… y la exposición dio lugar a este catálogo que ahora ha caído en mis manos, un repaso a la carrera de Vázquez a través de las páginas de sus personajes, desde los más clásicos en Bruguera: las hermanas Gilda, Anacleto, la abuelita Paz… hasta sus últimas páginas, más “adultas”: las firmadas como “Sappo”, algunas tiras de prensa… y, por supuesto, su mejor creación: él mismo, Vázquez el moroso, el binguero, el seductor y gran artista. El tío Vázquez.

Sus cien páginas saben a poco y sólo dan una pequeña muestra de su enorme talento, pero el libro está editado con primor y es una pena que no se venda en librerías (creo), por lo que habrá que esperar a que de una vez por todas alguien se tome en serio la tarea de recuperar -en condiciones- a los clásicos del tebeo español.

Como curiosidad, en la exposición se incluyeron dos falsos originales de páginas de Anacleto falsificadas por el propio Vázquez, que dan fe de los apuros económicos por los que tuvo que pasar, y de su proverbial picaresca. Inimitable.

99 ejercicios de estilo

Cuando fui a la biblioteca a devolver La Perdida, de Jessica Abel, me llevé este 99 ejercicios de estilo, de Matt Madden, sin saber que ambos autores son pareja “en la vida real”… Superado el emotivo momento, me he encontrado con un tebeo muy interesante, inspirado en Exercices de style (1947), un libro en el que el escritor francés Raymond Queneau proponía la variación de estilos literarios sobre una misma historia.

Madden traslada el experimento a los cómics: a partir de una página “modelo”, dibujada y narrada de forma “convencional”, se suceden 98 variantes: narración subjetiva, estilo manga, superhéroes, en una sola viñeta, en treinta viñetas, al estilo Kirby, al estilo Herriman…

Aunque seguro que ayuda, no es necesario ser un entendido en tebeos para disfrutar de la obra, que además incluye un glosario de términos “difíciles”.

Death Note

Un shinigami, o “dios de la muerte” japonés, deja caer a la Tierra un “Cuaderno de Muerte”. Basta con tener en mente la cara de alguien, escribir su nombre en el cuaderno, y al poco rato morirá. Pueden incluso especificarse las causas de la muerte.

Light, un joven y brillante estudiante, encuentra el “Death Note”, y al darse cuenta de su poder no duda en usarlo para liquidar a todos los criminales de que es capaz. Por supuesto, la policía no tarda en perseguir al asesino de asesinos, recurriendo a su mejor detective, el misterioso L.

Me he leído el primer tomo de esta serie, un shônen manga de gran éxito, y el resto me lo han dejado en anime. Aunque el manga es muy adictivo, no sé cuantos capítulos aguantaré de la serie animada, me está resultando algo lenta.

Los autores son Takeshi Obata al dibujo y Tsugumi Ohba al guión, dos mangakas peculiares: al primero lo detuvieron por llevar un cuchillo de grandes dimensiones en el coche; en cuanto a Ohba, es un seudónimo del desconocido guionista; o desconocida, ya que hay indicios de que puede tratarse de una mujer.

Es imposible no fantasear con la idea de ser el poseedor del Death Note: no sé si sería capaz de matar a nadie, de tener oportunidad. Pero si tuviera un buen “Paliza Note”, seguro que se quedaba corto de páginas…

Cómo convertirse en un hijo de puta

Mauro Entrialgo es un artista que ha tocado casi todos los palos, como podéis ver en su web: cómic, ilustración, teatro, música (con su grupo Esteban Light), cine (escribió a medias con Jorge Iglesias el guión de Gente Pez, una peli que prometía mucho pero que se quedó en un producto mediocre)…

En este álbum retoma a su personaje más cabrón, Herminio Bolaextra (el reportero con tres huevos), y nos ofrece una completa guía para convertirnos en unos auténticos hijos de puta como él: bromas pesadas, respuestas hirientes, insultos, y un sinfín de trucos para molestar y ofender al prójimo, en la forma de un “Manual de los Jóvenes Castores”... si los Jóvenes Castores fueran unos grandísimos hijos de puta.

Herminio nació en 1987 en las páginas del TMEO, y para esta ocasión han colaborado con Mauro otros dos habituales de la revista vasca: Ata y Santi Orue. Entre los tres no dejan títere con cabeza: se ríen de todo y de todos, demostrando ser unos agudos observadores de la patética sociedad que nos rodea, y llenando de chistes cada rincón de la página. Risas garantizadas.

La Perdida

Carla, una joven norteamericana de origen mexicano, se establece durante un año en México D.F. con la intención de empaparse de su cultura y “encontrarse a sí misma”. Obsesionada con integrarse y ser “auténtica”, busca amigos (y novio) mexicanos, que la acabarán metiendo en líos cada vez más serios.

Este cómic de Jessica Abel me provoca sensaciones contrapuestas. Por un lado, me resultan antipáticos todos los personajes, especialmente la protagonista, bien descrita como “perdida”. En cuanto a la historia, que avanza dramáticamente hasta convertirse en un thriller, se estropea con un final poco inspirado y la inevitable moraleja.

Por otra parte, aunque cargantes, los personajes están bien definidos, sus diálogos son creíbles, y el tebeo mantiene el interés a lo largo de más de doscientas páginas, lo cual es meritorio. Es especialmente interesante el enfoque dado al choque de culturas: la mala conciencia yanqui frente a las contradicciones mexicanas: revolucionarios de izquierdas que venden camisetas del Ché, camellos que sueñan con ser D.J. en los USA… gringos que huyen de su artificial país, y mexicanos que quieren emigrar allí para prosperar.

Cuando menos, es un tebeo válido como guía de viaje a México D.F. … Ah, y feliz año nuevo.

Bardín el Superrealista

Bardín se mueve como pez en el agua entre la Realidad y la Superrealidad, un extraño mundo en el que abundan los faros, las caracolas y otros delirantes seres.

Aunque hasta ahora no había conseguido conectar con sus mundos y su particular humor, Max es un autor en permanente búsqueda de nuevos caminos para su arte, lo cual siempre es de agradecer. En este Hechos, dichos, ocurrencias y andanzas de Bardín el Superrealista, cada página es visualmente impecable, y el álbum se convierte en un objeto artístico en si mismo, ayudado por la excelente edición de La Cúpula, que emplea una novedosa técnica de tramado, la “trama estocástica de alta definición”, que es como: “no se ven los puntitos” (¿será inminente su desaparición? se echarán de menos…).

Las historias que se incluyen son muy variadas, en duración y contenido, y abarcan páginas que se han ido publicando (o no) desde 1997, algunas coloreadas para la ocasión. Las aventuras de Bardín son de humor metafísico-social (si, ya sé, pero me gusta ponerle etiquetitas a todo, qué le voy a hacer), y por todas partes abundan los guiños a la cultura popular (el icono Mickey, los tebeos de Bruguera) interactuando con guiños a la alta cultura (si es que son válidas esas divisiones): Buñuel, Cirlot, otras que se me habrán escapado, y mi favorita: cómo se aprovecha Max del cuadro La pesadilla, de Füssli:


Digresión: recomiendo leer, a propósito de pesadillas y del mencionado cuadro, la conferencia de Borges del mismo título y publicada en Siete noches (Alianza), todo el libro es una delicia; fin de la digresión.

Porque la psicología y el mundo onírico son también parte importante de Bardín, sobre todo en la espectacular El ruido y la furia, que cierra el álbum y…

Vale, no os vais a creer lo que me ha pasado… estaba escribiendo en el ordenador esto que estáis leyendo, de pronto he girado la vista a mi derecha, y he visto esto:

¡¡Llevo dos años viviendo en la Superrealidad!! (ojo, las cortinas venían ya con el piso… y la foto no les hace justicia). Ahora empiezo a explicarme muchas cosas…

Palestina

Pues nada, que entre éste Palestina, el Persépolis y El Fotógrafo, me estoy convirtiendo en un “experto” en temas musulmanes. Y cuanto más sé, más me reafirmo en mi desdén hacia todas las formas de religión que no consistan en una relación individual con el dios que sea, sin molestar ni tratar de convencer al prójimo. Y qué lejos estamos de eso, Diosa mía…

En fin, en el caso de Palestina, Joe Sacco ilustra su estancia de dos meses en la franja de Gaza a finales de 1991. Es una crónica fiel de esos meses, que Sacco dedicó a recorrer la zona haciendo entrevistas (y tomando un té tras otro) que le dieran a su cómic una visión profunda del conflicto. En un exhaustivo trabajo periodístico, busca viejos que recuerden la ocupación de 1948, adultos que hayan pasado por la cárcel (el 99%), o jóvenes que pertenezcan a grupos de liberación.

Su dibujo detallista (impresionante) da cuenta de las caras, los paisajes, y fundamentalmente la rabia y la impotencia que sienten los palestinos, pero también, aunque tangencialmente, el recelo de los israelíes y su postura. El guión de Sacco sólo muestra lo que ha visto, y lo que sintió al verlo. Las voces que interpretan la situación, sin filtros, son las de los palestinos a los que entrevista, y únicamente en el prólogo el autor dice que el conflicto no tendrá fin hasta que la ocupación israelí se trate como un tema de ley internacional y de derechos humanos básicos. Duele pensar lo poco que ha cambiado la situación en los más de quince años que han pasado desde entonces.

100 Balas: Primer disparo

Este volumen de Norma recopila los cinco primeros números americanos de esta serie de Brian Azzarello y Eduardo Risso, que comenzó a publicarse en 1999. Los protagonistas de 100 balas son diferentes tipos de perdedores, gente a la que alguien ha arruinado la vida sin que lo supieran. Hasta que llega el misterioso agente Graves para hacérselo saber y facilitarles la venganza, en forma de un maletín de rombitos que contiene las pruebas que inculpan al “objetivo”, una pistola y cien balas imposibles de rastrear para la policía.

En este caso, las primeras cien balas son para Dizzy Cordova, una joven pandillera hispana de Chicago que acaba de salir de la cárcel y debe enfrentarse a serios problemas familiares. Esta historia ocupa los tres primeros números; los otros dos y la siguiente tanda de balas van a parar a Lee, un ex-cocinero amargado que sobrevive poniendo copas en un tugurio, hasta que la visita del agente Graves le ofrece nuevas posibilidades. En esta última historia, además, se introduce un interesante hilo argumental para el futuro: un indicio de la identidad del agente Graves.

Los autores explotan los mejores recursos del género negro: diálogos brillantes, mujeres fatales, pistolas… en un cóctel bien medido, y que según las críticas que he leído, mejora en los siguientes capítulos (está previsto que la serie acabe en el número 100). Pues habrá que leérselos, creo que ahora está volviendo a editarlos Planeta.

Persépolis

Me he releído Persépolis estos días con la intención de ir al cine a ver la película y llevar la historia fresca en mi cabeza; pero, como de costumbre, la peli me la he perdido, tendré que esperar a que salga el DVD. De todos modos me ha gustado reencontrarme con esta historia autobiográfica de Marjane Satrapi.

El maestro Bolaño escribía, en uno de los artículos de su libro Entre paréntesis: “No tengo nada en contra de las autobiografías, siempre y cuando el que las escriba tenga un pene en erección de treinta centímetros. Siempre y cuando la escritora haya sido una puta y a la vejez sea moderadamente rica. Siempre y cuando el pergeñador de semejante artefacto haya tenido una vida singular”.

La vida de Satrapi es singular, al menos desde el punto de vista occidental. Iraní educada por unos padres progresistas, estudiaba en el Liceo francés cuando estalló la revolución islámica en 1979. La joven Marji tenía unos diez años, y a través de su mirada infantil asistimos al recorte de libertades impuesto por el régimen islamista. Hasta aquí el primer álbum; el segundo habla del comienzo de la guerra contra Iraq, el tercero sobre su exilio en Austria y el cuarto narra su regreso a Irán en el 89, ya con veinte años y una renovada visión de la vida.

Una de las intenciones de la autora es cambiar la imagen que tenemos de Irán en occidente, y sólo por lo que se aprende de la vida cotidiana en un país musulmán ya vale la pena leérselo. Pero además la historia está impecablemente contada, y al estar dividida en capítulos muy cortos, que a menudo parten de una simple anécdota, se hace muy ágil su lectura. En definitiva, un tebeo muy interesante, y, en los tiempos que corren, incluso necesario.

Viviendo del cuento

El título de éste libro de Juanjo Sáez hace referencia a esas profesiones tan guays y que tanto éxito tienen en los ambientes modernillos: diseñador de lo que sea, D.J., articulista de tendencias… Es un mundo que Sáez conoce bien, y a la vez que repasa sus primeros diez años de profesión, ajusta cuentas con la Barcelona indie de los noventa, cuando los bares pasaron a llamarse “clubs” y los jóvenes se vestían “diferente”, pero todos iguales. El preludio de lo que hoy se conoce como “efecto Barcelona”.

Se lee de un tirón, a ratos es divertido, y uno acaba indignado con todo ese borreguismo y falta de criterio que retrata. Pero, personalmente, este es un autor con el que me cuesta conectar, y como los temas que trata (la “modernez” y su propia biografía) no me interesan demasiado, no tardaré en olvidarlo. Sin duda, me quedo con su siguiente obra, de la que ya he hablado por aquí, El Arte: conversaciones imaginarias con mi madre.

El Bulevar de los sueños rotos

Más de treinta y cinco años después de su aparición, se traduce al castellano este extraordinario tebeo de Kim Deitch, un clásico del underground norteamericano que aquí despliega algunos de los temas que, al parecer, son recurrentes en su obra: el alcoholismo, la paranoia (personificada en su personaje Waldo el gato), una visión amarga de la vida y el arte, y por supuesto, los primeros pasos del cine de animación, un mundo que Deitch conoce de primera mano, ya que es hijo de un conocido dibujante y animador, Gene Deitch, que trabajó para la UPA, Terrytoons, y otras compañías.

Este cómic abarca buena parte del siglo XX, siguiendo la evolución de los dibujos animados y la de algunos de sus pioneros, como Winsor McCay y su creación Gertie el dinosaurio. Si ya lo habéis leído, os sonarán estas imágenes:

A pesar de basarse en hechos reales, las intenciones de Deitch (ayudado por su hermano Simon) van mucho más allá de narrar un simple documental. Ficción y realidad se entremezclan en un dibujo detallista y nostálgico, pero a su vez cargado de intención y mala leche.

Concluyendo, que es un cómic de obligada lectura, de lo mejor que ha caído en mis manos últimamente. En cuanto a la edición, debo advertiros que La Cúpula lo ha vuelto a hacer: la página 159 debe ser la 160 y viceversa. Afortunadamente este error no influye mucho en la narración. Pero jode, eso si.

Los combates cotidianos, 1

Marco, fotógrafo de guerra, atraviesa una época de cambios: ha abandonado su trabajo, su casa en la ciudad y a su psicoanalista; ahora vive en el campo con su gato como única compañía, aunque no tardará en hacer nuevas amistades y alguna enemistad. Marco es un treintañero con muchos tics propios de su edad: miedo al compromiso, desencanto hacia la política, roces con sus padres…

Este primer tomo de la serie Los combates cotidianos, de Manu Larcenet, se llevó el premio al mejor álbum en el Salón de Angoulême de 2004. Es un cómic... muy francés (pelín gafapasta), tirando a autobiográfico, que me ha recordado a los también generacionales Monsieur Jean de Dupuy y Berberian, o al Lapinot de Trondheim. Aunque tal vez sea pronto para juzgar; intentaré leer los números siguientes. Lo que más he disfrutado ha sido el dibujo, sencillo pero efectivo, con un uso del color muy acertado, especialmente en los paisajes campestres.

Tangencias

Tangencias se compone de ocho historias cortas realizadas entre 1987 y 1995 para las revistas Cimoc y Cairo, todas ellas protagonizadas por parejas que se citan para hacer el amor. Pero sus relaciones serán sólo tangenciales, ya que su distanciamiento emocional o sus visiones divergentes de la vida pueden más que la atracción física. Así, todas las historias tienen un tono melancólico, y un final triste.

Miguelanxo Prado ha sido posiblemente el artista de cómic más destacado de este país en los últimos años, y es sin duda la piedra angular del cómic gallego actual. Su estilo de dibujo es inconfundible, y en esta obra lo pone al servicio de atmósferas íntimas y poéticas, luciéndose más que en otros trabajos más ligeros. El peso de la narración descansa sobre primeros planos, gestos, diálogos, y el uso de colores otoñales: el sepia, el gris y el azul.

¿Mi historia favorita? Quizá Deidades ociosas, por razones sentimentales: es la única que ya había leído, hace mil años, en un Cairo.

Barrio lejano

En este manga, Jiro Taniguchi vuelve a los mismos temas de El almanaque de mi padre: la infancia en los años sesenta (la misma que vivió Taniguchi, y en el mismo pueblo: Tottori), las barreras generacionales, la familia…

Hiroshi, un hombre de negocios de 48 años, se ve misteriosamente devuelto al pasado, a sus catorce años de 1963, pero con sus recuerdos y experiencias de madurez; un viejo sueño que todos hemos tenido alguna vez (y que hemos visto, por ejemplo, en Peggy Sue se casó, de Coppola). Hiroshi se da cuenta que fue por esa misma época cuando su padre les había abandonado, un hecho que conmocionó a toda su familia; así que decide aprovechar esta nueva oportunidad para descubrir las razones que llevaron a su padre a tomar esa decisión, y si puede, impedirlo. Pero al mismo tiempo se aprovecha de su situación, dejándose llevar por su “nueva” vida: saca mejores notas, destaca en los deportes, se liga a la “guapa oficial” del instituto… olvidándose poco a poco de su vida adulta.

El almanaque de mi padre me gustó bastante, pero he disfrutado mucho más con Barrio lejano. Su ritmo es más ágil, y Taniguchi logra involucrar más al lector en la historia, aumentando la tensión a medida que se acerca el día en que el padre se marcha. Por lo demás, este autor vuelve a demostrar su maestría con la expresión facial, los silencios, la creación de ambientes y la dosificación de las emociones. Entre otras cosas.

Sherlock Time

Algún día hablaré más extensamente de mi admiración por la cultura argentina del siglo XX, en especial su literatura… y sus tebeos, claro. En Sherlock Time se unieron por primera vez el más grande guionista y el más importante dibujante argentinos del pasado siglo: Héctor Germán Oesterheld y Alberto Breccia, que publicaron estas páginas entre 1958 y 1959, cuando ambos artistas rondaban los cuarenta años y estaban en plena forma.

Sherlock Time fue un campo de pruebas para su gran obra conjunta posterior, Mort Cinder (1962). Como en ésta, los protagonistas son el misterioso investigador de lo oculto (Sherlock), y su “ayudante”, el jubilado Julio Luna, que ejerce de Watson como narrador de las historias. Roles que en Mort Cinder desempeñarán el propio Mort y su “Watson” particular, el anticuario Ezra Winston. Hay otras conexiones entre ambas obras: la trama de la segunda historia, El Ídolo, por ejemplo, donde además aparece un personaje, también anticuario, que anticipa a Ezra, a quien Breccia dibujaba con su propia cara “de viejo”, así como Julio Luna tiene la cara del Breccia cuarentón.

Aunque los argumentos son los habituales de la ciencia ficción de la época, ya bastante trillados en Estados Unidos por el cine, novelas pulp, cómics… el mérito de Oesterheld consiste en apropiárselos para el lector argentino: los personajes viven en Buenos Aires, leen a Groussac, toman mate… Si queréis saber más de éste genial guionista, justo esta semana se celebra en la web Zona Negativa la Semana Oesterheld, por coincidir con el 30 aniversario de su dramática “desaparición” a manos de la dictadura argentina.

En cuanto a Breccia, estaba convirtiéndose ya en el genio que fue. Aunque mejoraría mucho en el futuro (Mort Cinder, Buscavidas, Drácula…) y él mismo acabó diciendo que no estaba contento con éste trabajo, empieza a arriesgar cada vez más en sus viñetas y tiene la audacia del que sabe que está muy cerca de dominar su oficio. Alejándose de la influencia de Caniff, su técnica es cada vez más expresionista. Su dominio del blanco y negro es impresionante ya desde la primera historia, La Gota, un opresivo cuento a lo Edgar Allan Poe, lleno de sombras.

Locas #2

Vaya si mejora este segundo tomo con respecto al primero: las aventuras de ciencia ficción, dinosaurios y superhéroes dejan paso a historias más cotidianas de pasiones, celos, cuernos y punk-rock, en las que la serie da un salto de calidad impresionante.

Los personajes ganan en profundidad y las historias se entrelazan, pero como eje narrativo permanece siempre la historia de amor-amistad entre Hopey y Maggie, desarrollada de forma magistral, con una sensibilidad que nunca cae en la ñoñería (algo muy difícil a mi juicio, que pocos narradores consiguen).

Si comentando el primer tomo decía que nadie como los hermanos Hernández había tratado mejor la personalidad femenina en un cómic, ahora me atrevería a afirmar que en Locas está el mejor retrato que se ha dado en un tebeo (que yo haya leído) de lo que llamamos “ser joven”, junto a otro monumento: Agujero Negro, de Charles Burns.

Y siguiendo con las (odiosas, lo sé) comparaciones, esas relaciones entre chicas de Locas me han recordado bastante a las de las protagonistas de Ghost World, de Daniel Clowes, y a Promethea y su amiga Stacia, en el Promethea de Alan Moore. Y mira que me gustan Moore y Clowes, pero al menos en este aspecto la ventaja es para Hernández, por haber conseguido más frescura en las relaciones entre sus personajes. O será que tengo su lectura más reciente, no sé; si comento esto es para destacar la tremenda influencia de Love & Rockets en obras posteriores.

El dibujo es tema aparte: precioso. Jaime Hernández es un auténtico maestro del blanco y negro que ha logrado un equilibrio perfecto entre clasicismo y modernidad. Ahí queda eso (de momento).

Odio #14

Yo fui joven en los 90, una década que aportó a la cultura popular las películas de Tarantino, la música grunge y los libros de Paul Auster, por poner ejemplos bien reconocibles (y bien yanquis). En cuanto a cómics, si pienso en los 90 pienso automáticamente en Odio, de Peter Bagge.

Siempre se dice de Odio que es el retrato, o la parodia, de la famosa Generación X, esa a la que nadie quiso pertenecer. Y es que muchos odian estas etiquetas, pero lo cierto es que todos somos hijos de nuestro tiempo, nos guste o no, y en esta época surgió una nueva mentalidad entre los jóvenes: una generación que pasa de política o compromisos sociales y sólo busca el dinero, la diversión, la vida fácil, o al menos vivir sin que le toquen mucho las pelotas (u ovarios), "tomando el sol", como decía Albert Plá en aquella canción.

Las aventuras de Buddy Bradley, el protagonista de la serie, empiezan en Seattle, donde comparte piso con otros cuatro desquiciantes compañeros. Sus intentos por sobrevivir y relacionarse con la "odiosa" fauna humana eran tan reales y divertidos que engancharon al público a la serie. Así, Buddy podría haber seguido viviendo eternas aventuras de veinteañero inadaptado, pero Bagge apostó por hacer que el personaje madurase y tuviera nuevas expectativas. Así que, hacia la mitad de la serie, abandonó el blanco y negro inicial por colores planos y chillones. Y Buddy, que ya se acercaba a los treinta, abandona Seattle y la vida "modernilla" para volver a la cateta New Jersey a casa de sus padres, y hacer algo con su vida: monta un negocio, afianza su relación con Lisa y "se integra". Bagge fue muy criticado por esta evolución del personaje, pero en mi opinión ha dado en el clavo, pues la serie gana en complejidad y realismo en estos últimos números, sin dejar de ser terriblemente divertida. Os recomiendo esta entrevista que ofrece Entrecomics traducida, donde el autor habla de esto y de muchas otras cosas.

Bagge dio por terminada la serie en el 2000, lo que correspondería al número 13 de La Cúpula, pero vuelve periódicamente a sus personajes, y de estas "vueltas" sale el material que se publica en este número 14. Además, acaba de salir el tomo 1 de la edición integral, no os la perdáis si nunca habéis leído las aventuras de este personaje, al que tanto odiamos por todo lo que se nos parece.

20th Century Boys (1 al 12)

Cuando faltan pocas fechas para llegar al siglo XXI, en todo el mundo se desata una oleada de sangrientos atentados. Al mismo tiempo, en Japón, una asociación pseudoreligiosa alcanza cada vez más poder, liderada por un misterioso individuo que se hace llamar "Amigo", y que emplea como símbolo un extraño dibujo. Pero lo más raro es que este símbolo lo habían inventado, hacia 1970, una pandilla de niños. Estos niños, que ahora son treintañeros, deberán buscar entre sus recuerdos las claves que les lleven a desenmascarar a "Amigo" y hacer realidad su sueño de la infancia: salvar al mundo.

A partir de aquí, los acontecimientos se desencadenan sin tregua a lo largo de más de 4.000 páginas repartidas en 22 tomos... de momento, ya que a partir de ahí creo que Naoki Urasawa está continuando la serie con el título de 21th Century Boys. Y es que se nota que el autor disfruta llevando a las viñetas las historias de su infancia, la cultura popular y los sucesos del pasado que forman parte del inconsciente colectivo japonés, como la Expo del 70 o las películas de Godzilla. Pero no es la nostalgia el motor del tebeo, sino la acción, la ciencia ficción, y sobre todo el misterio conque el autor logra siempre sorprendernos, sacándose de la manga nuevos giros argumentales, sin que el guión se le vaya nunca de las manos, algo meritorio teniendo en cuenta lo numeroso de los personajes, la longitud de la obra, y que ésta se desarrolla a lo largo de unos 50 años (sobre todo en tres períodos, de momento: 1970, 2000 y 2014; pasado, presente y futuro).

A pesar de estar bastante enganchado, por alguna razón había abandonado su lectura en el tomo 10 hace más de un año. Pero he vuelto, y me alegro, ya que al final del tomo 12... ¡Se desvela por fin la identidad de "Amigo"! Porque será él, ¿o no?...

Parece que se han decidido a adaptar la obra al cine el próximo año (más información -en japonés- aquí), aunque lo que realmente le sentaría bien a este cómic sería una adaptación a la tele, ahora que triunfan las series largas de misterio tipo Lost. Sería un éxito seguro.